Expressionistisches Theater: die Bühne als Schrei einer Epoche
Das expressionistische Theater prägte die Zeit von ungefähr 1910 bis 1925 und veränderte die Vorstellung davon, was eine Bühne zeigen sollte. Statt die Welt möglichst getreu abzubilden, rückte es Spannung, Angst und Aufbegehren in den Vordergrund. Woran erkennt man eine solche Aufführung, und was unterschied sie vom früheren Theater? Dieser Beitrag stellt die Merkmale der Richtung, ihre wichtigsten Autoren und die Gestaltung der Bühnenbilder vor. Er zeigt auch, warum sich die Beschäftigung damit bis heute lohnt.
Was ist expressionistisches Theater?
Im expressionistischen Theater steht das innere Erleben der Hauptfigur im Mittelpunkt. Die Autoren wollten Gefühle in reiner Form ausdrücken und verzichteten deshalb auf eine detaillierte Darstellung des Milieus. Entsprechend knapp und eindringlich ist das expressionistische Drama.
Typisch sind Verknappung, kurze Stationenszenen, Pathos und ein telegrammartiger Sprachstil. Die Figuren verkörpern Typen und bleiben oft namenlos, denn ihre Rolle ist wichtiger als ihre Biografie. Auf der Bühne steht eher der Mensch in der Krise als ein Held mit individueller Geschichte. Die fehlenden Namen fallen beim Lesen oder Zuschauen besonders schnell auf.
Viele Stücke griffen Erfahrungen aus dem Ersten Weltkrieg und dem Leben in der Großstadt auf. Das Gefühl der Bedrohung fand so seinen Ausdruck auf der Bühne. Eine expressionistische Szene klingt deshalb oft eher wie ein Schrei als wie ein Gespräch.
Das expressionistische Drama und seine Autoren
Zu den Autoren dieser Richtung zählt Georg Kaiser. Sein Stück „Von morgens bis mitternachts" bietet einen guten Einstieg. Wer beim Lesen auf Verknappung, kurze Szenen und Telegrammstil achtet, erkennt, wie diese Mittel im expressionistischen Drama wirken.
Ein weiterer wichtiger Autor ist Ernst Toller, der in den zwanziger Jahren das Stück „Masse Mensch" schrieb. Schon der Titel verweist auf die zentrale Rolle der Gemeinschaft. Es lohnt sich, Toller neben Kaiser zu lesen und die beiden Werke innerhalb derselben literarischen Richtung zu vergleichen.
Als Vorbote dieser Veränderungen gilt Frank Wedekinds „Frühlings Erwachen", 1906 in Berlin aufgeführt. Das Stück ist ein frühes Beispiel für den Bruch mit Normen, der später zum Kennzeichen des Expressionismus wurde. Daran lässt sich erkennen, dass das Bedürfnis nach einer neuen Theatersprache schon vor 1910 heranreifte.
Wie sah das Bühnenbild aus?
Das Bühnenbild des expressionistischen Theaters war stark von der Malerei geprägt. Licht zeichnete Formen, scharfe Kontraste steigerten die Spannung, und schiefe Winkel brachten den Raum aus dem Gleichgewicht. So wurde der Bühnenraum selbst zum Ausdruck von Unruhe.
Diese Gestaltung sollte weniger den Handlungsort abbilden als den seelischen Zustand der Figur vermitteln. Was das Drama in Worte fasste, machte die Bühne im Bild sichtbar. Gerade diese Verbindung von Sprache und Gestaltung unterscheidet das expressionistische Theater von einer Bühne, die lediglich einen Schauplatz nachbaut.
Expressionistisches Theater lässt sich am Zusammenspiel mehrerer Merkmale erkennen: Im Text begegnen uns Verknappung, kurze Szenen, namenlose Typen, Pathos und Telegrammstil, auf der Bühne harte Kontraste und schiefe Winkel.
Warum sich der Blick darauf lohnt
Das expressionistische Theater zeigt, wie sich Angst und kollektive Erfahrung auch ohne realistische Kulissen auf die Bühne bringen lassen. Verknappung, der Typus anstelle der Einzelfigur und die Stationenszene sind Gestaltungsmittel, die sich am besten an den Stücken selbst erschließen. Als Einstieg bieten sich Kaiser und Toller an. Anschließend lohnt sich der Vergleich mit Wedekind.